Rezension: "Lost in Translation"

Die Tochter eines der Ausnahmeregisseure unserer Zeit zu sein, ist wohl Segen und Fluch zugleich, zumindest wenn man sich anschickt in die Fußstapfen des berühmten Vaters zu treten, dem die Welt mehr als nur einen cineastischen Meilenstein, unter anderem eben die Literaturverfilmung „Der Pate“, der mal eben als einer der besten Filme aller Zeiten gilt, oder aber auch den Anti-Kriegsfilm „Apocalypse Now“ zu verdanken hat. Die Rede ist an dieser Stelle natürlich von Sofia Coppola, die 1971 geborene Tochter des Ausnahmeregisseurs Francis Ford Coppola. Und so waren die schauspielerischen Bemühungen der Tochter auch von keinem großen Erfolg gekrönt, ihre Verkörperung der Tochter von Don Corleone (Al Pacino) im „Paten III“ wurde von allen Seiten mit vernichtender Kritik bedacht, so dass Sofia Coppola ihre schauspielerischen Ambitionen mehr oder weniger begraben durfte, beziehungsweise musste. Im Nachhinein, das kann man ohne weiteres sagen, ist es ein Glücksfall, dass sich Coppola's Tochter nach dieser Enttäuschung nicht endgültig vom Filmgeschäft abgewandt hat, sondern, ganz im Gegenteil, in der Folge ihrem Vater nacheiferte und damit begann hinter der Kamera zu arbeiten. Natürlich, als Regisseurin waren die Fußstapfen in die sie von den Kritikern unweigerlich hinein gedrängt wurde, umso Größer. Doch es zeigte sich schnell, dass Sofia das Talent ihres Vaters geerbt zu haben schien und in ihren Filmen glücklicherweise auch einen eigenständigen Stil zu Tage fördern konnte. Mit ihrem viel gelobten Regie-Debüt „The Virgin Suicides“, der 1999 im Rahmen der Filmfestspiele von Cannes vorgestellt wurde und für große Aufmerksamkeit bei den Kritikern sorgte, legte sie ohne Zweifel den Grundstein für den Film, der ihrem Erstling vier Jahre später nachfolgen sollte und in ihren Ruf als exzellente Regisseurin endgültig begründete. Die Zukunft wird zeigen, ob sie dieses exorbitant hohe Niveau wird halten können, schon der 2006 entstandene Kostüm-Film „Marie Antoinette“ mit Kirsten Dunst in der Hauptrolle hat angedeutet, dass auch dem kometenhaften Aufstieg der Coppola Grenzen gesetzt sind. Nein, es ist von daher ganz und gar nicht auszuschließen, dass „Lost in Translation“ das Meisterstück in der noch relativ jungen Karriere der Regisseurin Coppola bleiben wird – Doch soweit ist es natürlich noch nicht.

„Lost in Translation“ hat sich relativ schnell den Ruf erarbeitet so etwas wie ein „moderner Klassiker“ zu sein und auch wenn mit Superlativen im Allgemeinen, und auch im Speziellen, stets ein wenig vorsichtig umgegangen werden sollte, so steht doch zunächst einmal außer Frage, dass dieser Film bei der Oscar-Verleihung 2004 den Preis für das beste Drehbuch völlig zu Recht gewonnenen hat. Nun sind aber Preise nur die eine Seite der Medaille und beileibe kein Automatismus dafür, dass der prämierte Film auch wirklich die Klasse besitzt, für die er ausgezeichnet wurde. Sofia Coppolas „Lost in Translation“ jedoch - an dieser Stelle ist ganz bewusst von „ihrem“ Film die Rede, hat sie doch auch das wunderbare Drehbuch geschrieben - und das ist die erfreuliche andere Seite der Medaille, ist einer jener Filme, die in ihrer Wirkung und Existenz zeitlos sind und sich somit in Sphären bewegen, die dem Film zu etwas Besonderem werden lässt. „Lost in Translation“ ist einer der Filme der, wie jeder großartige Film, für sich selber spricht und es somit eigentlich keiner sonderlichen Wortgewalt bedarf um den Film die Anerkennung zu Teil werden zu lassen, die ihm gebührt. Ganz im Gegenteil, jedes tosende und lärmende Wort, das in seinem Tenor zum Gigantismus auszuwachsen droht, widerspricht der Seele und der Intention dieses Films, der in seiner Konzeption von geradezu melancholischer Ruhe geprägt ist, von einer Narration die so behutsam wie feinfühlig ist, dass sie zwischen den gigantischen Hochhäuser-Schluchten Tokios fast zu verschwinden scheint. Zwei der essentiellen Themen, die dem Film zu Grunde liegen, Verständnis und Verlorenheit, finden sich bereits im Titel des Films, der in seiner genauen Übersetzung auf den ersten Blick simpel und in seiner Intention recht eindimensional erscheint, auf den zweiten Blick jedoch sein ganzes Potential offenbart und es demjenigen, der sich auf diesen Film einzulassen bereit ist, zur Verfügung stellt. „Lost in Translation“ ist somit in gewisser Weise mehr als eine einfache Komödie, mehr als nur eine tragisch angehauchten Geschichte und mehr als ein Film über die Unterschiede zweier sich fremder Kulturen, er ist in seiner Summe eine perfekte Symbiose aus diesen drei essentiellen Versatzstücken, verbindet diese zum großen Ganzen und bewirkt beim Rezipienten eine Art des intuitiven Verständnis, welches den Erkenntnisgewinn nicht aus dem Gehirn, sondern aus dem Herzen gewinnt und das ich anderer Stelle mit „Verstehen ohne Verstehen“ versucht habe zu beschreiben - „Lost in Translation“ ist wohl der Film, den ein Mann niemals hätte drehen können.

Aber eben auch ein Film, der ohne einen ganz bestimmten Mann nicht in der Art funktioniert hätte, wie er sich nun darstellt. Die Rede ist natürlich von Bill Murray, der sich in den Achtzigern Jahre erst als Komödiant („Ghostbusters“, „Und täglich grüßt das Murmeltier“) einen Namen gemacht hat, bevor er in den letzten Jahren auch in nachdenklich-melancholisch Rollen zu brillieren wusste, so in „Broken Flowers“ und eben im Zuge von „Lost in Translation“. Angeblich, so ist es immer wieder zu lesen, hat Sofia Coppola, als sie das Drehbuch zu diesem Film geschrieben hat, sofort Bill Murray im Kopf gehabt, für den diese Rolle quasi überhaupt erst geschrieben worden sei. Und wenn dann in den ersten Sekunden des Films, als Bob Harris (Bill Murray), der in die Jahre gekommene Schauspieler, in einem Taxi sitzend, staunend durch die Straßen der Metropole Tokio fährt, dann kommt der Kenner des Films nicht umhin diese Anekdote für plausibel zu befinden. War „Lost in Translation“ für Bill Murry in etwa gleichbedeutend mit dem endgültigen Eintritt in etwas reifere und ernsthaftere Rollen, so bedeutete dieser Film für seine zweite Hauptdarstellerin, welche die jung verheiratete Charlotte spielt, nämlich Scarlett Johansson, den internationalen Durchbruch, mit dem sie sich schlagartig in die oberen Ränge Hollywoods katapultierte und nunmehr zu einer der nachgefragtesten Schauspielerinnen ihrer Generation avancierte.

„Lost in Translation“ funktioniert auf diversen Ebenen und kann somit auch von verschiedenen Seiten betrachtet werden. Coppola, die selber einige Zeit in Japan lebte und dort arbeitete, hat immer wieder betont, dass dieser Film auch von ihren eigenen Erfahrungen geprägt gewesen sei, die sie im Umgang mit einer Kultur gemacht hatte, die der westlichen zwar nicht diametral gegenübersteht, sich aber eben doch fundamental von dieser unterscheidet. Und so sind es zu Beginn des Films auch die vielen kleinen komödiantisch inszenierten Anspielungen auf die japanische Kultur, die in Bezug auf diese erste Ebene für den Witz des Films zu sorgen wissen. Sei es die zuvorkommende Höflichkeit der Japaner, Anspielungen auf die im Durchschnitt geringere Körpergröße, oder auch die von Videospielen dominierte Freizeitlandschaft in der japanischen Metropole – dies alles wird von Coppola zu Beginn vor allem durch die Person Bob Harris thematisiert, der in diesen Phasen des Films das Auge und das Ohr des Zuschauers bildet. Er versteht nicht mehr als wir, beziehungsweise lässt Coppola uns nicht mehr wissen, als sie ihrer Film-Figur an Informationen zukommen lässt. Coppola spielt mit all diesen Klischees, die doch aber eben ein Fünkchen Wahrheit enthalten, hält jedoch stets die so wichtig Balance und verliert zu keinem Zeitpunkt den Respekt vor dieser vielschichtigen und interessanten Kultur. Ein Respekt, der sich auch immer wieder in den ruhigen und melancholischen Bildern zu manifestieren weiß, die meist dann auftauchen, wenn die Kamera der jungen Charlotte folgt. Es sind Momente in der die Hektik der Metropole dem Teil Japans weichen muss, der sich hinter all diesem großstädtischen Trouble eben und vor Allem auch zu verbergen weiß.

Doch ist dies nur ein Teil von „Lost in Translation“, der Aspekt welcher so offensichtlich Pate für den Titel des Films steht. Kommunikation, oder anders ausgedrückt die Sprache, ist essentielles Werkzeug in der Interaktion verschiedener Gesellschaften, immer auch gleichbedeutend mit einer bestimmten kulturellen Mentalität, die sich ihre Bahnen sucht. Von den Schwierigkeiten einander zu verstehen, davon erzählt Coppola also, bettet dies aber in eine Geschichte zweier Menschen ein, die, jeder auf seine Art und Weise ebenso verwirrt und verloren sind, und wohl vor allem deshalb zueinander finden. Das dies in einem Hotel in Tokio geschieht ist kein Zufall, kanalisieren und verstärken doch die Einsamkeit und der Jetlag ohne Zweifel bereits vorhandene Emotionen. In jeder Stadt in den USA wären sie wohl aneinander vorbei gelaufen, aber nicht hier in der Fremde, wo sich also zwei Menschen an der Bar des Hotels begegnen, und der Film sich von da an anschickt seine zweite, vielleicht sogar wichtigere Geschichte zu erzählen, die Geschichte von der Begegnung zweier Menschen, die sich scheinbar ähneln, die sich gegenseitig anziehen, die sich finden.

Auf der einen Seite der gealterte Schauspieler, der vor allem von seinen alten Rollen zehrt, nach Japan kam um dort mit einer eher albernen Werbung Geld zu verdienen, der ohne Zweifel an einem Scheideweg seines Lebens angekommen ist. Mehr als zwanzig Jahre verheiratet, hat er seiner Frau nicht mehr viel zu sagen, die zwischenmenschliche Kommunikation zwischen Beiden scheint erloschen. Diese sitzt zu Hause, kümmert sich um die Kinder und behelligt Bob in Japan mit allerhand Anrufen und Faxen bezüglich der Farbe des neuen Teppichs. „Warum rufe ich überhaupt noch an“ fragt sich Bob und in einer der essentiellsten und schönsten Szenen des ganzen Films singt er mit aller Kraft „More Than This“ - Es muss doch mehr geben. Auf der anderen Seite die junge Charlotte, die Bob in diesem Moment bewegt und nachdenklich ansieht. Eine junge Frau, frisch verheiratet mit einem Mann, der sie auf Grund seiner Arbeit im Hotel zurück lässt, mit dessen Arbeit sie nicht viel anfangen kann und sich somit genauso verloren und einsam fühlt, wie ihr älteres Pendant Bob. Der Zuschauer ahnt, dass sie in diesem Augenblick wohl das gleiche denkt, wie der singende Bob, nämlich ob es dies schon alles Gewesen sei, in ihrem noch jungem Leben. Zwei Seelenverwandte haben sich hier gefunden, in Tokio, fern der Heimat zwischen Schlaflosigkeit und der Hotelbar, die zusammen die fremde Kultur erkunden, die miteinander zu sich selber finden, nachdem sie in der Fremde erkennen mussten, dass sie sich und ihrer Umgebung selber fremd geworden sind.

Sofia Coppola fängt diese Emotionen und Stimmungen ein und kleidet sie in feinsinnige Bilder, die stets den richtigen Ton treffen. Ihr Inszenierungsstil ist behutsam und zurückhaltend. Kein Wort zu viel kommt über die Lippen der Akteure, es sind viel mehr die Bilder die hier sprechen. Der Plot, die zu Grund liegende Story-Line ist simpel, es geschieht Wenig und doch aber so Viel. Das lakonische Spiel Bill Murrays, das nuancierte und bezaubernde Spiel von Johansson tragen diesen Film, lassen ihn ruhig daher gleiten. Jeder Ton des wundervollen Scores, der sich in perfekter Weise an seine jeweilige Umgebung anpasst, ist an der richtigen Stelle. Nichts wirkt aufgesetzt, nichts übertrieben, die Beziehung zwischen Beiden kommt (zum Glück) zu keinem Zeitpunkt über das unausgesprochene Stellen der Frage „More Than This?“ hinaus, eine flüchtige Berührung an der Schulter deutet die Antwort, was vielleicht hätte sein können, nur an. Wenn am Ende des Films die beiden auseinander gehen, nach einer letzten Umarmung, nach dem ersten Kuss, nach den geflüsterten und für den Zuschauer nicht verständlichen letzten Worten, die Bob Charlotte zuraunt, eine Szene die angeblich spontan aus der Stimmung seiner Schauspieler heraus entstanden ist, bevor dieser zu den Klängen des melancholischen Songs „Just like Honey“ sein Taxi besteigt um zum Flughafen zu fahren, endet der Film und entlässt seine beiden Hauptprotagonisten wieder zurück in ihr jeweiliges Leben. Ein Ende, welches zu den besten Schlussszenen gehört, die jemals gedreht worden sind. Ein Abschluss, das den Zuschauer nachdenklich, melancholisch, vielleicht sogar ratlos zurücklässt und sich davor hütet die Frage zu beantworten, welche die Magie von „Lost in Translation“ letztendlich definiert. Es ist für den Zuschauer nicht wichtig zu wissen, was Bill Murray Bob in dieser letzten Szene sagen lässt, es ist an dieser Stelle die Imagination des Zuschauers worauf es ankommt, die entscheidend ist, was er denkt, was er sich wünscht, was er fühlt. Verstehen ohne zu Verstehen! - Fazit: 10 von 10 Punkten.

Quellennachweis: Screenshots aus "Lost in Translation". © by Focus Features, Tohokashinsha Film Company Ltd., American Zoetrope, Elemental Films